Contenu
- 10 oeuvres d'art qui ont changé le monde
- Introduction
- Le temple mortuaire d'Hatchepsout, (1479 av. J.-C. à 1458 av. J.-C.), Deir el-Bahari, Égypte
- Doryphoros de Policleto, Ve siècle av.
- Autel avant avec le Christ en majesté et la vie de saint martin, 1250 (médiévale), espagne
- La Mona Lisa de Léonard de Vinci
- La nuit étoilée de Van Gogh, 1889
- Le cri d'Edvard Munch, 1893
- Première aquarelle de Kandinsky (sans titre), 1910
- La persistance de la mémoire, par Dalí, 1931
- Poteaux bleus de Jackson Pollock, 1952
10 oeuvres d'art qui ont changé le monde
10 œuvres d'art qui ont changé le monde. Les Égyptiens ont créé l'art en tant que cadeau religieux pour accompagner Pharaon tout au long de sa vie infinie après la mort. Les Grecs ont concentré tous leurs efforts sur le développement du Doryphore et ont utilisé cet art pour représenter leur idée de perfection parfaite et de beauté indéniable. Les artistes du début du XXe siècle ont commencé à explorer la notion d'art en tant que possible, en contestant l'idée du "grand art" de la part de son public. L'art a toujours été au centre de nos vies et a toujours eu un grand pouvoir. Les dix œuvres d'art à suivre sont si puissantes qu'elles ont toutes réussi, à leur manière, à changer le monde.
Introduction
Les Égyptiens ont créé l'art en tant que cadeau religieux pour accompagner Pharaon tout au long de sa vie infinie après la mort. Les Grecs ont concentré tous leurs efforts sur le développement du Doryphore et ont utilisé cet art pour représenter leur idée de perfection parfaite et de beauté indéniable. Les artistes du début du XXe siècle ont commencé à explorer la notion d'art en tant que possible, en contestant l'idée du "grand art" de la part de son public. L'art a toujours été au centre de nos vies et a toujours eu un grand pouvoir. Les dix œuvres d'art à suivre sont si puissantes qu'elles ont toutes réussi, à leur manière, à changer le monde.
Le temple mortuaire d'Hatchepsout, (1479 av. J.-C. à 1458 av. J.-C.), Deir el-Bahari, Égypte
L'architecture est-elle vraiment de l'art? Lorsque nous avons étudié la vie des Égyptiens, rien de ce qu'ils ont créé n'a été considéré comme un art en soi. Ses peintures, gravures et sculptures ont toutes été créées en l'honneur de Pharaon afin de le livrer en toute sécurité aux dieux après sa mort. Cependant, à mesure que le travail des Égyptiens était découvert au fil du temps, nous en sommes venus à en reconnaître la beauté et, dans le cas de la structure du temple construite pour la reine Hatchepsout après sa mort, une énormité artistique précieuse. C'est l'une des plus grandes œuvres d'art à ce jour et un témoignage du puissant règne dont jouissent les Égyptiens depuis tant d'années.
Doryphoros de Policleto, Ve siècle av.
Entre le 4ème et le 6ème siècle avant JC, les Grecs se sont intéressés et ont fait des découvertes dans les domaines des mathématiques et des philosophies qui changeraient le monde pour toujours. Parallèlement à son besoin de connaissance, il a eu le désir d'utiliser l'art comme moyen de reproduire son idée de la beauté absolue ou de la perfection. Le sculpteur Policleto, au Ve siècle avant notre ère, fut responsable de la création du Doryphore. La figure nue et athlétique d'un homme grec, parfaitement formée selon un ordre mathématique strict, où la tête de la sculpture correspondrait huit fois à la longueur du corps. Même dans l'art d'aujourd'hui, nous voyons des exemples de perfection anatomique empruntés et tirés de Policleto. L'héritage grec est très puissant.
Autel avant avec le Christ en majesté et la vie de saint martin, 1250 (médiévale), espagne
À la fin de l'ère paléochrétienne et pour ce qui est reconnu comme la période de l'art médiéval, une représentation puissante de Jésus-Christ commença à émerger, qui allait changer le monde à jamais et aider à placer le christianisme dans l'une des positions religieuses et politiques les plus fortes réalisé par d'autres mouvements religieux. Ces peintures et sculptures ont ensuite été connues sous le nom de Christ en majesté ou Christ en gloire. L'autel avant avec le Christ en majesté et la vie de saint Martin est l'un de ces tableaux. Prenant comme référence l'ancien pouvoir de l'empereur romain, intronisé et représenté comme étant à jamais jeune, les artistes engagés pour produire le Christ en majesté ont été les premiers artistes à placer le Christ sur le trône au centre de leurs peintures.
La Mona Lisa de Léonard de Vinci
La Mona Lisa de Léonard de Vinci, peinte vers 1503 ou 1504, est également connue sous le nom de La Gioconda ou La Joconde. Il est surtout célèbre pour le sourire du personnage principal. La nature du sourire est un débat universel depuis des siècles. La raison du sourire de Mona Lisa est inconnue et suscite toujours un grand intérêt et des théories. Abrité au Louvre à Paris, il est presque impossible de bien regarder la Mona Lisa grâce au grand nombre de visiteurs de la galerie, qui se rapproche le plus possible de la célèbre dame et de son célèbre sourire.
La nuit étoilée de Van Gogh, 1889
Van Gogh a été en proie à une angoisse mentale et à une dépression tout au long de sa vie. Peut-être est-il plus connu pour s'être coupé l'oreille au nom de l'amour. Lorsqu'il fut admis dans un hôpital psychiatrique de Saint-Rémy en 1889, il réalisa The Starry Night. Starry Night est un exemple parfait de l'impressionnisme, qui a osé, introduit de nouveaux coups de pinceau et introduit une nouvelle approche en matière d'utilisation de la couleur. Il insiste sur le sentiment et la poésie qui se cachent derrière l'image à l'écran plutôt que de simplement représenter ce que l'artiste a pu voir. Van Gogh est devenu l'un des peintres impressionnistes les plus fascinants en raison de son amour de la nuit et de sa passion pour la peinture dans l'obscurité.
Le cri d'Edvard Munch, 1893
L’artiste norvégien Edvard Munch a notamment fasciné O Grito en créant diverses versions de l’œuvre, notamment une peinture à l’huile, un dessin au pastel et une lithographie, toutes réalisées entre les années 1893 et 1910. Le thème Le tableau est particulièrement obscur dans la mesure où la figure centrale, un homme, souffre manifestement d’un moment privé d’angoisse et de désespoir, tandis que les autres personnes qui apparaissent sur la photo semblent ignorer son inquiétude.
Première aquarelle de Kandinsky (sans titre), 1910
Le peintre et graphiste russe Wassily Kandinsky (1866-1944) fut l'un des grands maîtres de l'art moderne. Son travail a fait de grands progrès dans le monde de l'art pur, de l'art pour l'art et de la peinture abstraite. Il était une figure extrêmement dominante de la première moitié du XXe siècle et son travail véritablement mémorable a débuté avec sa première aquarelle, une pièce sans titre qu'il a produite en 1910. L'année 1910 a été une année cruciale pour Kandinsky et le monde de l'art en Général Cette première aquarelle abstraite, dans laquelle tous les éléments de représentation et d'association semblent avoir été complètement perdus, a été révolutionnaire. Le travail de Kandinsky se trouve au Musée d'art moderne de Paris, en France.
La persistance de la mémoire, par Dalí, 1931
"Persistance de la mémoire 1931" de Salvador Dalí est considéré par beaucoup comme un chef-d'œuvre surréaliste. Les images qui nous sont présentées incluent des montres qui semblent fondre sur des branches et des fourmis qui dévorent avidement une poche. La toile de fond de la peinture est clairement une belle représentation du paysage de Port Lligat en Catalogne, la patrie de Dalí, mais dans l’ensemble, elle fonctionne comme une hallucination incroyable, pleine de détails fascinants et déroutants en même temps que le type d’images mélangées. que nous éprouvons quand nous rêvons. Dalí et ses contemporains surréalistes étaient chargés de diriger les masses à travers un autre mouvement artistique extrêmement important et stimulant.
Poteaux bleus de Jackson Pollock, 1952
En 1952, Harold Rosenberg, un écrivain d'ARTnews, fut responsable de la première référence au travail de Jackson Pollock en tant que "peinture d'action". Et c'était une description incroyablement précise de la peinture de Pollock. Quand Pollock commence à peindre, il ne voit pas l’image, il n’a pas l’image en tête. Il voit l'espace et cherche de l'espace afin qu'il puisse le remplir d'action. Pollock est célèbre pour avoir peint de la peinture sur une toile pour voir ce qui peut se passer. Sa création en 1952, Blue Poles, est un exemple audacieux de couleur, de mouvement et d'individualité associé à son auteur. Les Polonais bleus ont changé le monde en nous montrant que l’art n’a pas besoin de signifier absolument et qu’il n’a même pas besoin d’être composé avec précision.